Historia del Arte: Vanguardias del siglo XX, Universidad Europea

Introducción a las Vanguardias Artísticas

Ue Universidad Europea Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914)Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914)

Índice de Contenidos

ve Índice Introducción 3

El Expresionismo Alemán

1. El expresionismo alemán. 3

Die Brücke (El Puente)

1.1. Die Brücke (El Puente) 3

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)

1.2. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) 7

El Futurismo

2. Futurismo 10 Conclusiones 12 Referencias bibliográficas 13 @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados. 2ve Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914) Introducción Los movimientos artísticos de principios del siglo XX (Fauvismo y Cubismo) lanzaron otros que caracterizaron la realidad artística europea. Estas corrientes que se dieron en paralelo unas de otras, cambiaron para siempre la realidad del arte. Por ejemplo, el expresionismo alemán surgió como un movimiento cohesionado hacia 1905 y, aunque abarca una amplia gama de temas y estilos, puede caracterizarse como torturado, angustiado, brutalmente primitivo o apasionadamente espiritual, reflejo de fuerzas cósmicas elementales. Las obras que pertenecen a este movimiento, a pesar de la belleza y el colorido de la paleta, transmiten una energía cruda y primitiva. La larga tradición del expresionismo en el arte alemán se remonta a las grotescas tensiones físicas y psicológicas de artistas renacentistas como Matthias Griinewald y Albrecht Durero. El expresionismo alemán surgió como un movimiento cohesionado hacia 1905 y, aunque abarca una amplia gama de temas y estilos, puede caracterizarse como torturado, angustiado, brutalmente primitivo o apasionadamente espiritual, reflejo de fuerzas cósmicas elementales. Por otro lado, en 1909, surge el Futurismo; una corriente formada por artistas que en su mayoría eran neoimpresionistas que transformaron el color y la energía del Divisionismo para retratar el dinamismo de la modernidad. Su manifiesto afirmaba que "el movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos" y que su preocupación sería la visualización del movimiento y la energía.

El Expresionismo Alemán

1. El expresionismo alemán

Die Brücke (El Puente)

1.1. Die Brücke (El Puente) En general, los estudiosos afirman que el expresionismo alemán comenzó con Die Brücke (El Puente), un grupo concebido en 1903 cuando cuatro estudiantes de arquitectura de Dresde, entre ellos Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Erich Heckel (1883-1970), decidieron formar una alianza artística "para despejar el camino al nuevo arte alemán". En 1905, el grupo se constituyó oficialmente y se hizo público sin otro programa artístico que oponerse a los "antiguos poderes bien establecidos" y crear un "puente" hacia el futuro. Como tantos alemanes progresistas, su visión se formó gracias al filósofo Friedrich Nietzsche, En su libro más famoso, Así habló Zaratustra, publicado entre 1883-1885, donde Nietzsche abogaba por el surgimiento de un "superhombre" (o Ubermensch), un joven noble de intelecto, valor, fortaleza, creatividad y belleza superiores que dominara a las masas inferiores que se refugiaban en el pasado convencional y restrictivo. El problema inicial al que se enfrentaron estos artistas, en su mayoría autodidactas, que compartían un estudio común en una antigua carnicería, fue encontrar un tema apropiado y una forma de expresarlo. Al principio se centraron en la inquietante psicología de la Alemania moderna y recurrieron a colores intensos para transmitir su mensaje. Kirchner, el líder de Die Brücke, @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados. 3Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914) ve fue quizá el primero en madurar artísticamente, hacia 1907, como se aprecia en su Street, Dresden (Calle, Dresde) de 1908. El amor del grupo por Van Gogh y su reciente descubrimiento de Matisse se reflejan en el intenso color fauvista liberado de su papel representativo. Igual de importante es el impacto de Edvard Munch, que expuso por toda Alemania y residió a menudo en Berlín después de 1892.

Ernst Ludwig Kirchner y Street Dresden

Figura 1. Ernst Ludwig Kirchner, Street Dresden (1908), Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) (Nueva York, Estados Unidos). Fuente: <https://www.flickr.com/photos/wallyg/2372047671> Su obra Street, Dresden, posee un inquietante trasfondo psicológico y los motivos arabescos son decididamente munchianos. En la representación de esta calle abarrotada, el artista evoca una ansiedad claustrofóbica digna del simbolista noruego. Como la mayoría de las imágenes de Munch, ésta se centra en la confrontación sexual. Mujeres como espectros miran fijamente hacia fuera. Una de ellas, vestida de amarillo, se levanta el vestido para mostrar sus enaguas. Rosas, amarillos y naranjas abrasadores contrastan con azules y verdes electrizantes, creando una perturbadora disonancia y excitación sexual. Este cuadro nunca podría confundirse con un Matisse. Para los artistas del Puente, las prostitutas eran emblemas de la decadencia de la vida urbana y encarnaban la inmoralidad y la materialidad de la ciudad. En 1906, el pintor berlinés Emil Nolde (1867-1956) expuso en solitario en la Galería Arnold de Dresde. Los artistas de Brücke quedaron tan cautivados por el poderoso uso del color de éste que le invitaron a unirse al grupo. Mayor que los demás miembros, sólo duró un año, ya que su naturaleza melancólica y su estilo personal no eran compatibles con la misión común del grupo. 4 @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados.Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914) Ue Sin embargo, su preocupación por la emoción intensa y el color se ajustaba a la dirección que tomaba el grupo, en parte debido a su influencia. En 1909, tras recuperarse de una grave enfermedad, realizó una serie de cuadros religiosos, entre ellos La última cena.

Emile Nolde y La Última Cena

Figura 2 Emile Nolde, La Última Cena (1909), Museo del Estado (Copenhague, Dinamarca). Fuente: <https://openverse.org/image/a527e100-9a1e-418a-9ce9- 2d9cfd7efac8?q=emile%20nolde> Nolde afirmó que en este cuadro "siguió un deseo irresistible de representar la espiritualidad profunda, la religión y la ternura". Este cuadro, creado en un fervor apasionado durante varios días, trata de la emoción, tanto la suya como la de Jesús y los apóstoles. Nolde apiña a las figuras y las presiona contra la superficie del plano pictórico, haciendo nuestras sus pasiones. En esta representación, predomina un rojo sombrío pero ardiente, contrastado por su complemento verde y entrelazado con amarillos y azules, haciendo que la superficie parezca arder de emoción. Utilizaba audaces losas de pintura para construir crudamente rostros y cuerpos. A veces aparece una angulosidad acuciada en barbillas y narices, y los patrones de color tienen bordes dentados, como en el pelo de las figuras del primer plano. Al principio, los rostros parecen máscaras y son casi grotescos. Sin embargo, no se trata de máscaras, las distorsiones y los gestos estridentes, tanto figurados como pictóricos, subrayan la fuerza expresiva de la escena. La crudeza de las figuras realza la fuerza emocional directa. También hace que los protagonistas parezcan más humanos y terrenales, paradójicamente más reales a pesar de su esbozo. 5 @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados.Historia del arte Las vanguardias artísticas II (1904-1914) Ue En esta obra se percibe una adopción de la abstracción, la simplificación y la franqueza que se encuentran aquí y son utilizadas para para crear efectos psicológicos poderosos. El grupo Die Brücke se amplió y, a partir de 1909, algunos de sus miembros comenzaron a trasladarse uno a uno a Berlín. Allí encontraron una escena artística más sofisticada, dominada por la publicación de arte vanguardista Der Sturm, creada por Herwarth Waldens en 1910 y que, en 1911, se había convertido en una galería con el mismo nombre. Ese año, todos los artistas Die Brücke se habían trasladado, aunque el grupo no se disolvió hasta 1913. Muy influenciados por el cubismo, su estilo también empezó a cambiar. La mayoría abandonó los contornos ondulantes de Munch y el Jungendstil (Art Nouveau alemán) y adoptó una planitud fracturada y una linealidad geométrica. Este nuevo estilo que surgió hacia 1910 puede apreciarse en Un día de cristal realizado por Erich Heckel en 1913. Aunque los artistas de Die Briicke conservaron el aspecto lineal del cubismo, por lo general lo utilizaron para crear tensión psicológica en lugar de un complicado espacio pictórico.

Erich Heckel y Un día de cristal

Figura 3. Un día de cristal, Pinacoteca de Arte Moderno de Múnich (Alemania). Fuente: <https://www.flickr.com/photos/rmh40/9922045804> En esta obra, Heckel utiliza la línea cubista y la fractura del espacio para representar ideales abstractos y universales. Mientras Kirchner retrataba el lado psicológicamente debilitador y moralmente quebrantado de la modernidad, Heckel presentaba el antídoto, una unificación elemental, casi primitiva, con la naturaleza y sus fuerzas universales. En Un día de cristal, Heckel capta la energía cósmica a través del poder de sus largas rayas que, especialmente en el cielo y el lago, parecen una composición cubista abstracta. Similares formas asimétricas y dentadas se repiten por todo el cuadro, encerradas en un apretado mosaico. Incluso la figura angulosa, reducida a una forma simplificada y que recuerda vagamente a la escultura africana que tanto admiraba el grupo por lo que consideraba su franqueza primigenia, está estrechamente entretejida con la linealidad de la tierra. 6 @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados.Historia del arte ve Las vanguardias artísticas II (1904-1914) Heckel nos da la sensación de que una fuerza vital común recorre toda la naturaleza, uniéndolo todo. Esta lectura se ve confirmada por las nubes y sus reflejos en el agua, que se han transformado en los cristales del título y reflejan la creencia de que los éstos tenían propiedades espirituales. En su afán por crear un arte nacionalista, los artistas de Die Brücke recuperaron la técnica del grabado en madera, preferida por los artistas alemanes de principios del Renacimiento. A la atracción que ejercía este medio se sumaba su crudeza expresiva: se percibía la veta de la madera, que no sólo daba estridencia a las imágenes, sino también una sensación terrenal y orgánica. Estas cualidades pueden apreciarse fácilmente en la obra de Ernst Ludwig Krichner titulada Peter Schlemihl: Tribulaciones del amor, de 1915. A través de esta serie, el artista quiso ilustrar el cuento en prosa La maravillosa historia de Peter Schlemihl de Adelbert von Chamisso, publicada en torno a 1914. En ella se narra la historia de un hombre que vende su sombra, es decir, su alma, por una olla de oro. Esta xilografía en color muestra el uso del espacio ambiguo del cubismo para proyectar los trabajos internos invisibles de la mente y yuxtaponerlos al mundo representativo. Aquí vemos a un hombre junto a una manifestación de su conflicto psicosexual. La dislocación espacial, la nitidez astillada de los bordes, la composición caótica y los toques de color que evocan emociones (un rojo violento y apasionado y un azul melancólico y escalofriante), todas ellas cualidades abstractas, crean una imagen inquietante y angustiosa.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)

1.2. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) El segundo gran grupo expresionista alemán, Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), se desarrolló en Múnich, en el sur de Alemania. Oficialmente sólo duró cuatro meses, de diciembre de 1910 a marzo de 1911. Al igual que sus homólogos de Brücke, los artistas asociados a Der Blaue Reiter recurrieron a formas artísticas de la historia del arte occidental, así como a tradiciones no occidentales y folclóricas, para crear imágenes que revelan su escepticismo ante la vida moderna e industrial. El grupo se centró en expresar una espiritualidad que creían que residía bajo la superficie del mundo visual. La figura clave de Der Blaue Reiter fue el artista ruso Vassily Kandinsky (1866-1944). Éste abandonó Moscú en 1896 para estudiar arte en Múnich y trajo consigo influencias rusas, concretamente la espiritualidad de los iconos religiosos autóctonos y los colores intensos y emotivos del arte popular. Su interés por la cultura popular se reavivó cuando, en 1908, se trasladó al sur de Múnich, en los Alpes bávaros. Allí se sumergió en la cultura popular y se sintió profundamente afectado por los potentes colores y la franqueza de las decoraciones y pinturas folclóricas sobre vidrio. Además, esta ciudad era un caldo de cultivo para la exploración de la espiritualidad y el ocultismo, especialmente la teosofía, que era un tema de conversación diario para muchos. Tras asistir a algunas conferencias e interesarse por el tema, el artista publicó, en 1910, De lo espiritual en el arte. En este libro Kandinsky proclamaba la necesidad de @ Copyright Universidad Europea. Todos los derechos reservados. 7