Historia del Arte: El Renacimiento, arquitectura y escultura

Índice del Arte del Renacimiento

Contexto Histórico y Cronología

CONTEXTO HISTÓRICO DEL ARTE DEL RENACIMIENTO.

CRONOLOGÍA DEL ARTE DEL RENACIMIENTO.

1. Características generales de la arquitectura renacentista italiana.
2. Evolución de la arquitectura renacentista italiana: Brunelleschi, Alberti, Bramante y Palladio.
3. La escultura renacentista: Donatello y Miguel Ángel.
4. Especifica las características de la escultura renacentista italiana y explica su evolución, desde el Quattrocento al manierismo.
5. Características generales de la pintura renacentista italiana.
6. Evolución de la pintura renacentista italiana. siglo XV: Masaccio, Fra Angélico, Piero della Francesca y Botticelli.
7. Evolución de la pintura renacentista italiana. siglo XVI: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. La escuela veneciana.
8. Especifica las características de la pintura renacentista italiana y explica su evolución, desde el Quattrocento al manierismo.

El Renacimiento en España

CONTEXTO HISTÓRICO DEL ARTE DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA.

1. El Renacimiento en España. Arquitectura
2. El Renacimiento en España. Escultura. Pintura: el Greco.

Contexto Histórico del Arte del Renacimiento

El término Renacimiento fue acuñado por Vasari en el siglo XVI para designar un movimiento artístico que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XV y XVI. Le dio ese nombre porque hizo renacer los ideales de la Antigüedad Clásica, entendiendo como tal las culturas griega y romana.

Entramos en una época caracterizada por el fuerte desarrollo del comercio y la artesanía, lo que conllevará el ascenso económico y social de la burguesía. De esta forma, la burguesía se convertirá en uno de los mecenas fundamentales para los artistas, junto con la Iglesia y la nobleza. Los mecenas generalmente eran miembros de familias adineradas, como los Medicis o los Rucellai en Florencia, y solían ser coleccionistas de obras de arte.

Es también época de origen e impulso de numerosas universidades, en las que el pensamiento burgués, disconforme con la sociedad que le ha tocado vivir (ya que están relegados a un segundo plano por la Iglesia y la nobleza), propiciará la aparición del pensamiento crítico. Desde esta actitud se terminará desarrollando una nueva filosofía, el humanismo racional: el hombre se convierte en el centro del Universo (antropocentrismo frente al teocentrismo de la Edad Media). El hombre está en el centro de la Creación y comienza a emplear la razón, en oposición al conocimiento medieval que se movía en el ámbito de la fe.

Así, sin renunciar a todo aquello que conlleva la mentalidad cristiana, el hombre del Renacimiento vuelve los ojos a la Antigüedad grecolatina, ya que considera que, en aquella época, el hombre y la búsqueda racional de la verdad eran los ejes fundamentales en torno a los que giraba todo.

Esto llevará a una secularización del arte, que pierde en este estilo gran parte de la carga religiosa que habíamos encontrado en épocas anteriores (aunque en algunos países, como España, el arte seguirá siendo eminentemente religioso).

Así, los artistas del Renacimiento utilizarán el periodo clásico como modelo, aunque no será una mera copia sino que adaptarán las formas antiguas al nuevo espíritu moderno, y tomarán del arte clásico sus principios fundamentales: el equilibrio, la serenidad, el naturalismo y la búsqueda de la belleza física.

La importancia que se otorgará al ser humano podemos apreciarla también a través del papel que van a jugar los artistas. Hasta este momento eran considerados como simples artesanos. Sin embargo, durante el Renacimiento desaparecerá el anonimato artístico y se comienza a valorar al autor, al genio. El autor de las obras pasa de ser considerado artesano a ser considerado artista (a partir del siglo XVI). La búsqueda de la perfección en los individuos llevará a la aparición de artistas polifacéticos que plasman su genialidad en diferentes campos artísticos (arquitectura, escultura, pintura ... ) como Miguel Ángel, Brunelleschi, Bramante o Alberti.

Cronología del Arte del Renacimiento

Nació en Florencia en el siglo XV y desde allí se difundió, primero por toda Italia y, ya en el siglo XVI, por toda Europa.

• a) QUATTROCENTO (siglo XV). El centro fundamental será Florencia, donde los Médicis ejercerán un fundamental papel de mecenazgo. Destacarán Brunelleschi (arquitectura), Donatello (escultura) y Botticelli (pintura).
• b) CINQUECENTO (siglo XVI). La capital cultural se traslada a Roma. El siglo XVI es el de la Reforma Protestante y de la respuesta católica, la Contrarreforma: los valores del catolicismo fijados en el Concilio de Trento encontrarán como vehículo fundamental de transmisión el arte, bajo el mecenazgo de los Papas. Destaca la personalidad de Bramante (arquitectura) y los polifacéticos Miguel Angel, Leonardo y Rafael.
• c) MANIERISMO (siglo XVI). En el siglo XVI, a partir de los años 30 (se suele tomar con punto de partida el Saco de Roma de 1527, por las tropas del emperador Carlos V), se desarrolló el manierismo. Denominamos así a una tendencia que para muchos autores no es más que una crisis del Renacimiento, pero a la que cada vez es más frecuente considerar como un nuevo estilo artístico, que quiebra la serenidad del clasicismo renacentista y sirve de puente hacia el arte Barroco del siglo XVII. Destacaran autores como el propio Miguel Angel (en todas las artes), Giambologna (en escultura) y Tinttoreto o Tiziano (en pintura).

Características Generales de la Arquitectura Renacentista Italiana

En 1414 se descubre el texto De Architectura del arquitecto romano del siglo I a.C. Vitruvio. La aparición de esta obra y su publicación sirvió de base a la teoría arquitectónica renacentista. Vitruvio, arquitecto romano de la época de Augusto, compuso su obra como un compendio de todos los saberes arquitectónicos de su tiempo, siendo ésta la línea seguida después por los principales tratadistas del Renacimiento. Arquitectos como Alberti, Vignola o Palladio tuvieron muy en cuenta este tratado ya que era el único texto conservado que recogía todo el saber arquitectónico de la Antigüedad, modelo de inspiración para el Renacimiento. Vitrubio utilizaba en la arquitectura un sistema de proporciones basándose en la firmitas, utilitas y vetustas (solidez, utilidad y belleza).

El arte del Renacimiento toma como referencia fundamental el arte de la Antigüedad clásica (renacen muchos de sus elementos y características), pero no se produce una repetición sino una reinterpretación de los principios artísticos de la Antigüedad Clásica y fundiéndolos con otros elementos originales.

Los artistas del Renacimiento se inspiran en la arquitectura griega y romana, recuperándose elementos constructivos y decorativos de la época clásica como los arcos de medio punto, las columnas, los diferentes órdenes y entablamentos, los frontones, etc. Por primera vez desde entonces, el hombre se siente centro del Universo y reclamará una arquitectura a su medida basada en proporciones sencillas. Partiendo de esta base, encontramos una arquitectura que se caracteriza por:

Elementos Sustentantes en Arquitectura

En lo que respecta a los elementos sustentantes:

• El muro recupera su función sustentante. Exteriormente se realzan los sillares mediante el clásico almohadillado e incluso se tallan como puntas de diamante. En los interiores se anima la propia superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados: cornisas, pilastras, columnas enmarcadas, etc.
• En cuanto a los soportes, se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su función constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o combinada con pilares. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna es esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos del clasicismo, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio.

Elementos Sostenidos en Arquitectura

Dentro de los elementos sostenidos:

• El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilo gótico, y vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. Sostenido por elegantes columnas de orden clásico y formando galerías, su repetición rítmica contribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.
• En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean éstas de madera o de piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado: una superficie plana que se divide en casetones, que pueden ser cuadrangulares o poligonales, y en cuyo centro se suele colocar una flor u otro motivo decorativo, generalmente dorado o policromado. En las cubiertas de piedra se emplean preferentemente las bóvedas de cañón, las de arista y las rebajadas o vaídas; en todas ellas es frecuente que el casquete de la bóveda no se quede liso, sino que se decore con casetones, como en la arquitectura romana. No obstante, lo más importante será la primacía que se le concede a la cúpula como forma ideal constructiva (derivada de la admiración que siempre suscitó la cúpula semiesférica del Panteón de Agripa, en Roma; así como la influencia de la arquitectura bizantina en San Marcos de Venecia). La cúpula se eleva sobre pechinas y generalmente con tambor, en el que se abren ventanas, y suele estar rematada con linterna que le proporciona luz cenital.

Repertorio Decorativo y Tipologías de Edificios

El repertorio decorativo se inspira en los modelos de la Antigüedad. La decoración de tipo fantástico, en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos, recibe el nombre de grutescos. Guirnaldas y medallones son también elementos frecuentes en la decoración renacentista.

Las tipologias de los edificios serán muy variadas ya que la construcción profana o civil se sitúa al mismo nivel que la religiosa y, desde entonces, los grandes constructores de iglesias son, al mismo tiempo, los creadores de importantes edificios profanos.

Dentro de la arquitectura religiosa se busca un tipo de templo que aúne la utilización de los elementos clásicos y las necesidades derivadas del culto y la liturgia cristiana. El arquitecto renacentista se inspirará en las formas geométricas básicas, que ya se encontraban en los edificios clásicos. Se continúa utilizando la planta basilical, herencia del mundo romano, que se había mantenido durante la Edad Media, y la planta central, donde el círculo es considerado como imagen de la perfección y de la belleza ideal ya que las formas geométricas y la simetría serán fundamentales.

En cuanto a la arquitectura civil, destacan los palacios florentinos que representarán el nuevo poder de nobles y burgueses puesto que será su residencia y son el emblema de esta nueva sociedad. No están fortificados, sino que son palacios abiertos a la ciudad e integrados en su urbanismo. Estos tienen una estructura cúbica en torno a un patio porticado central, que actúa como distribuidor, con una decoración característica en las fachadas. Habrá un gran desarrollo del urbanismo como consecuencia del crecimiento de la ciudad que provoca una necesidad de ordenamiento. Aunque la mayoría se quedarán en simples proyectos, sí se remodelarán calles y plazas.

Evolución de la Arquitectura Renacentista Italiana: Brunelleschi, Alberti, Bramante y Palladio

La arquitectura renacentista nació a comienzos de siglo XV en Florencia, bajo el mecenazgo de los Gremios Mayores y de poderosas familias de comerciantes como los Medici o los Pitti. A mediados del siglo XV comenzó su difusión por Lombardía, el Véneto y otras regiones italianas.

Quattrocento y Brunelleschi

Durante el QUATTROCENTO (siglo XV) el centro artístico fundamental fue Florencia donde residían los poderosos Médici (influyente familia florentina, gobernantes de la ciudad que agruparán a intelectuales y artistas, vinculada al comercio y a la banca) y donde primero surge el pensamiento humanista.

Aquí, en Florencia, trabajó FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446), considerado como el creador del estilo. En sus inicios compagina la escultura, la invención de máquinas, la ingeniería, entre otras, con la arquitectura. Finalizó las obras de la catedral gótica de Santa María de las Flores donde cubrió un amplio espacio en el cimborrio con una cúpula de perfil apuntado de 42 m. de diámetro, tan grande como la del Panteón romano. Brunelleschi levantó la cúpula sobre un tambor octogonal de ocho paños y amplios ventanales circulares a modo de ojo de buey u óculos. Es el primer ejemplo de las grandes cúpulas europeas.

Más tarde le encargaron las iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu, ambas en Florencia, que constituyen prototipos de iglesias renacentistas. Son iglesias de planta basilical de tres naves separadas por arquerías de medio punto. Otras obras de Brunelleschi son la Capilla Pazzi o el Hospital de los Inocentes, también en Florencia. El Palacio Pitti es una arquitectura civil cuyo exterior tiene aspecto de fortaleza medieval, aunque se corresponde con el modelo de palacio típicamente renacentista, sin la torre característica de los góticos y con paramento almohadillado.

Michelozzo di Bartolomeo fue discípulo de Brunelleschi y autor del Palacio de los Medici-Ricardi, obra que destaca por su aspecto de fortaleza, con su paramento almohadillado en los pisos bajos.

Alberti y el Cinquecento

LEÓN BATTISTA ALBERTI (1404-1472) fue arquitecto, humanista y erudito, escribió varios tratados sobre arquitectura, escultura y pintura. Es el gran maestro también florentino de la generación de la segunda mitad del siglo XV. Para Alberti la belleza radica en los principios matemáticos, en las proporciones de sus partes y en las formas geométricas (círculo y cuadrado). Crea diversos tipos arquitectónicos, la iglesia de nave única con capillas entre contrafuertes (precedente de las iglesias jesuíticas barrocas) y la fachada inspirada en los arcos de triunfo romanos, etc. Es el autor del Palacio Rucellai, cuyo exterior destaca por la combinación de pilastras y órdenes clásicos (toscano en el inferior, jónico en el segundo piso y corintio en el tercero). Otra obra suya es la iglesia de Santa Maria Novella (Florencia) y su fachada se inspira en los arcos de triunfo romano.

A principios del siglo XVI el arte alcanza su máxima plenitud, es la segunda fase del Renacimiento conocida como CINQUECENTO. La capitalidad del arte pasa de Florencia a Roma, y más tarde al Véneto, bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, León X). Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos, es un arte solemne y monumental, pero predominando la medida, el equilibrio y la proporción; empleo