Obras líricas, estilos musicales Barroco y Romanticismo

Óperas destacadas y su evolución

• Parsifal (1882) - Richard Wagner
  › Última obra de Wagner, con innovaciones armónicas y una profunda dimensión espiritual.
• Otello (1887) - Giuseppe Verdi
  > Evolución del drama operístico, con fusión de música y teatro en un flujo continuo.
• Pelléas et Mélisande (1902) - Claude Debussy
  > Fundadora de la ópera impresionista, con nuevas armonías y atmósferas sonoras.
• Salomé (1905) - Richard Strauss
  > Impactante por su modernismo armónico, dramatismo y orquestación lujosa.
• Elektra (1909) - Richard Strauss
  > Extremadamente innovadora en cuanto a lenguaje armónico y expresión psicológica.
• Der Rosenkavalier (1911) - Richard Strauss
  > Mezcla de modernismo y nostalgia por el clasicismo, con rica orquestación y humor.
• Wozzeck (1925) - Alban Berg
  > Primera gran ópera atonal y expresionista, con enorme impacto en la música del siglo XX.
• Lulu (1937, incompleta) - Alban Berg
  > Continuación del estilo atonal, con gran sofisticación estructural y dramática.
• Peter Grimes (1945) - Benjamin Britten
  > Revitalización de la ópera inglesa, combinando modernidad y tradición.
• Dialogues des Carmélites (1957) - Francis Poulenc
  > Obra profundamente espiritual, mezcla de lenguaje moderno y lirismo clásico.
• Einstein on the Beach (1976) - Philip Glass
  > Revolución del género con la ópera minimalista, basada en estructuras repetitivas y no narrativas.
• Nixon in China (1987) - John Adams
  > Obra cumbre de la ópera contemporánea, con estilo minimalista y temática histórica reciente.

Estilos musicales

Barroco (1600-1750)

La música barroca es el periodo musical que domina en Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música. En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos, tanto en la composición como en el virtuosismo.

El bajo continuo, también llamado bajo cifrado, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo el contorno de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola da gamba, violoncelo, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laúd, clavecín, órgano) a cargo del continuista, quien desarrolla de manera improvisada las armonías, de acuerdo con las cifras del bajo cifrado, en la forma de acordes, arpegios u otras figuraciones, todo ello conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.

El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor, desde Bach, a los últimos compositores tonales del postromanticismo. En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete elementos: las notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la composición de melodías.

• Barroco temprano (1600-1650): La música en Italia durante los siglos XVI, XVII y principios del XVIII estaba viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico, de lo excelso a lo sublime; el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectare et movere» ('deleitar y emocionar'). La "sprezzatura" italiana, daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano, eran lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco, lo confuso o manierista, lo bello con lo monstruoso, la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de la Italia barroca inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de «perfección», que incluso a algunos llevó a la locura. El "violino italiano", una puesta en escena del manierismo barroco, era un vehículo más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor, que únicamente indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. Ejemplos de esta época son los doce conciertos de Locatelli y el concerto grosso de Corelli. Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos barrocos, los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido. Se conservan solo tres: "La fábula de Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises a la patria" (1640) y "La coronación de Popea" (1642). Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta.
• Barroco medio (1650-1700): destacan figuras como Jean Baptiste Lully (1632-1687, estableció las bases de la ópera francesa, desarrollar el estilo de la "ouverture" a la francesa y consolidar la música de corte bajo el reinado de Luis XIV, influyendo profundamente en la música europea de su tiempo), Johann Pachelbel (1653-1706, con contribuciones a la música coral y de órgano), Arcangelo Corelli (1653-1713, compositor y violinista italiano, uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Compuso también Sonatas tanto de cámara comode iglesia. Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal, Henry Purcell (1659-1695) y Alessandro Scarlatti (1660-1725, revolucionó la escritura para teclado con sus más de 500 sonatas, caracterizadas por su virtuosismo, originalidad armónica y rítmica). El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España ... ) los recursos de la monodía y del estilo concertante. Mientras tanto, en Italia suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de pico ... ) y en que se fijaba la suite instrumental francesa. En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Allí convierten la vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico.
• Barroco tardío (1700-1750): Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la era barroca. El barroco en la musica, al contrario de otras ramas del arte, pervive un poco más en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII, cuando mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca: Vivaldi (Italia), Telemann, Bach (Alemania), Rameau, Couperin (Francia), Scarlatti (España) y Händel (Inglaterra). Los miembros de la última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685, donde muchos de ellos representan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron. Es con esta generación alemana, especialmente por Bach, cuando el mundo musical germánico se convierte en la patria musical de primer orden, superando a Italia y desplazándola en ser la máxima potencia musical, que durará hasta principios del siglo XX, desde Bach hasta Schoenberg y la segunda escuela de Viena. En esta última etapa del barroco, cuando esta generación empieza a ser activa en el mundo musical de la época, la música adquiere y avanza a una nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos, desde los géneros y formas, hasta la forma de escuchar la música pasando por los instrumentos. El barroco musical adquiere aquí una espléndida madurez, apogeo y una gran refinación inédita en las dos etapas anteriores, que culminará especialmente en la obra de Bach y Händel, las dos grandes figuras dominantes de este periodo.

Jean Philippe Rameau (1683-1764): es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbre del Barroco francés. La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta época, de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach, pero la homofonía adquiere cada vez más auge e importancia, conviviendo las dos técnicas durante algunas décadas, de forma a la par durante esta generación de compositores, algunos de ellos como Bach o Handel, dominándolos con gran maestría. Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo asentamiento de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la música universal, el clave bien temperado de Bach, una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744 que se compone de 24 preludios y fugas cada libro en los tonos del sistema tonal, siendo una demostración del sistema tonal que estará vigente durante casi 200 años. En el mismo año del primer libro se publicara también el primer gran tratado del sistema tonal, el "Tratado de armonía reducida a sus principios naturales" de Rameau, que aunque imperfecto, se utilizará como referencia hasta principios del siglo XX. Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo anterior, pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán un camino a algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo. Handel es una gran figura del último Barroco. Sus óperas son la máxima expresión del género en esa era, siendo conjuntamente con Mozart y Gluck, el compositor más importante del género en el siglo XVIII. En cuanto a instrumentos, se hacen varios cambios y algunos de etapas precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes, como el laúd y la viola da gamba, en general remplazados por otros más nuevos que en esta época alcanzan un gran auge técnico y de prestigio,