Tema 5: El Clasicismo Musical, contexto histórico y compositores

EL CLASICISMO MUSICAL

F. J. HAYDN (1732-1809) W. A. MOZART (1756-1791) L. V. BEETHOVEN (1770-1827)

CONTEXTO HISTÓRICO, SOCIAL Y CULTURAL DEL CLASICISMO

Entendemos por Neoclasicismo el movimiento artístico y literario de la segunda mitad del siglo XVIII, marcado por las siguientes características:

• Artística y literariamente pretende resucitar los ideales de Grecia y Roma antiguas. Mientras en arquitectura, escultura, pintura y literatura el artista pudo tomar sus modelos de la antigüedad grecolatina en la música esto no fue posible ya que el número de fragmentos musicales conservados era muy escaso existiendo además muchas dificultades a la hora de su interpretación. El término Clasicismo significa en música una traducción comparativa de los cánones de belleza de la época clásica grecolatina: frente al Barroco, ornamental y exagerado1, el Clasicismo opone el equilibrio, proporción, gracia y elegancia de un frío y sencillo academicismo donde en todo momento la personalidad del artista, su emoción e inspiración, quedan sometidas a un rígido esquema formal. Haydn y Mozart serán los músicos que mejor concreten estos ideales de belleza.
• En el campo filosófico es la razón la que dicta las leyes. Filósofos como Kant en Alemania y los enciclopedistas Franceses (Voltaire, Rousseau, etc.), buscan, a través de la razón, rescatar al hombre de la ignorancia y del mito.
• Desde el punto de vista político, destacamos la revolución industrial y capitalista y la Revolución Francesa. La consecuencia es un desplazamiento de la aristocracia por la clase media: el arte gradualmente se populariza, las primitivas reuniones de los palacios, en las que el público asistente eran nobles huéspedes de los señores, van siendo sustituidas por los conciertos públicos de pago.
• Desde el punto de vista social hasta finales del siglo XVIII la cultura y el arte estaban bajo el dominio de una aristocracia que la concebia como un adorno necesario a su alta alcurnia. Los artistas producían obras para su inmediato empleo en los salones de los señores y para un público de aristocratas conocedores de algunas de sus reglas, que el artista había de observar con cierto rigor a cambio de obtener seguridad económica. Algunos acataron mansamente esta situación, como Haydn, mientras que otros, como Mozart, se rebelaron contra estos postulados.

ESTILOS PRECLÁSICOS

El esplendor del Clasicismo lo podemos situar desde el punto de vista cronológico entre 1780 y 1815. Durante esos 35 años el centro geográfico del Estilo Clásico residirá en la ciudad de Viena en la que vivieron, estrenaron y editaron los tres principales creadores clásicos: Haydn, Mozart y Beethoven. Para llegar a esta situación de esplendor clasicista antes han de sucederse una serie de estilos y creadores que, desde el Barroco tardío, irán estableciendo sólidos cimientos a la música del Clasicismo:

• Estilo Galante: música dirigida a públicos más amplios, de mero entretenimiento, agradable y ligera, fácil de entender y de interpretar, en la que melodías simples y naturales pero muy adornadas reposan sobre unas armonías claras y transparentes. La generación de los hijos de Bach impuso el estilo en toda Europa. Entre sus cultivadores podemos citar a Sammartini por una parte y J. Stamiz, al frente de la orquesta de Mannheim, por otra.

1 En 1747 un antiguo alumno de J. S. Bach le reprochaba que su música era poco agradable, poco natural, excesivamente ampulosa y artificial, que era, en definitiva, contra la naturaleza. J. J. Rousseau en la voz "Barroco" de su celebre enciclopedia describía la música barroca como aquella en que: "la armonía es confusa, cargada de modulaciones y disonancias, la melodía áspera y poco natural, la entonación difícil y el movimiento confuso". 2Estilo Sensible: se trata de una musica más expresiva y sentimental que tiene como fin último conmover al oyente. Su resultado sonoro podría ser comparado a un poema repleto de gimoteos, reproches y tiernos suspiros. Uno de sus principales cultivadores en K. F. E. Bach.

• Estilo atormentado, tormenta e impulso o Sturn und drang: fase terminal del estilo sensible, supone una exageración de sus principales características. J. C. Bach es el último de los hijos de Bach. Resulta ser un serio antecedente de los clásicos dada su gran preocupación por los aspectos formales que le fuerza a adoptar el esquema sonata a la mayor parte de sus obras.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES GENERALES DEL CLASICISMO

En general la música clásica es cortesana, elegante, contenida en las emociones, algo superficial pero no pobre. Es música pura (especialmente la instrumental): no describe, imita o significa nada. Tan sólo crea sensaciones.

• Ritmo: sencillo y regular a lo largo de una sección (cuadratura rítmica).
• Textura: predomina la textura de melodía acompañada de la que ha desaparecido ya el bajo continuo. Las formas contrapuntísticas sólo se utilizaran esporadicamente en algunos desarrollos temáticos.

o Melodía: claridad y simplicidad de las melodías. Frases melódicas nítidas y más regulares y cuadradas que en el Barroco (lo corriente son ocho compases). Incorpora adornos. o Armonía: a base de acordes sencillos (más sencilla que la de Bach). En el acompañamiento es frecuente el diseño a base de arpegios que reproducen sucesivamente un mismo diseño rítmico e interválico (bajo Alberti).

• Dinámica: contrastes expresivos nunca bruscos a base del uso del fuerte y del piano, del crescendo y del diminuendo. El resultado es una musica mesurada y tranquila, sin los arrebatos y apasionamientos característicos de épocas posteriores.
• Orquestación: la música instrumental es ahora más importante que la vocal. Se sientan las bases de la moderna orquestación evitándose, en general, los registros extremos.
• Formas: perfección de las grandes formas. Estructura formal clara y transparente.

o Desaparición de formas instrumentales practicadas en el periodo precedente como: suite, coral orgánico, concerto grosso, la cantata, escasez de oratorios, etc. o Mantenimiento de la variación. o Aparición de la sonata clásica. Esta forma organizará toda la música instrumental, tanto la música de cámara como la sinfónica.

• En la música vocal: la ópera bufa rivaliza con la ópera seria. Se imponen las concepciones de Gluck. En la música religiosa dominan el espíritu operístico e instrumental: parece más bien hecha para el concierto que para el culto.

LA MÚSICA VOCAL EN EL CLASICISMO

A comienzos del siglo XVIII, después de que se ha extendido como género a toda Europa, la ópera se fija en dos prototipos bien diferenciados: La ópera seria y la ópera bufa.

La ópera seria

(Repasar el punto 1.1.1 .- del tema anterior)

La ópera bufa

La "Serva padrona" (1733) del compositor italiano Giambatista Pergolesi es la obra que ha sido considerada como símbolo del género. Su estreno en París a cargo de una compañía italiana desató, a partir de 1752, la denominada "querella de los bufones" entre los defensores de lo viejo y lo nuevo, lo serio y lo bufo. Filósofos franceses como D'Alembert, Diderot y Rousseau, representantes de una nueva época en la historia del pensamiento, se pusieron en general decididamente a favor de la ópera cómica en contra del estilo serio representado por Rameau. En el fondo de la cuestión había también un problema político y era el enfrentamiento a través de la música de los partidarios del rey y de la reina, cada uno sostenedor de un bando musical.

EL CLASICISMO: LA REFORMA DE GLUCK

La ópera cómica supone una burlesca caricatura de la ópera seria y propone la vuelta a la melodía sencilla y popular. La ópera seria, reducida a una serie de arias en las que los cantantes se afanaban por exhibir sus facultades vocales sin tener para nada en cuenta el desarrollo dramático, se había alejado mucho de los ideales de la Camerata Florentina de finales del XVI. Allí nació la ópera como un intento de resucitar la tragedia griega, concibiendo la música al servicio de la palabra y de la acción dramática. Estos excesos conducen a la ópera seria a su decadencia y, en consecuencia, a su reforma. C. W. Gluck (1714-1787), alemán de nacimiento, emprenderá la reforma de la ópera seria. En esta tarea fueron fundamentales sus relaciones con escritores que reforman los libretos en contra del ya pasado de moda estilo de Metastasio. En el prefacio de Alceste (1767) expondrá los motivos y los principios de la misma que pueden ser sintetizados en el logro de una bella simplicidad. Para ello:

• Libretos de tres o cuatro actos que proporcionan a los músicos situaciones más reales, alejadas de las antiguas farsas. Simplifican la acción dramática, reducen el número de escenas y eliminan de personajes secundarios e intrigas innecesarias, dando continuidad dramática y credibilidad a los personajes.
• Importancia de una obertura que ha de preparar a los espectadores resumiendo el clima de la obra.
• La música al servicio del texto. Terminará con los abusos exhibicionistas de los cantantes suprimiendo arias inútiles que interrumpen el desarrollo del drama y eliminará la rigidez de en la estructura de las arias.
• Evitar la disparidad entre aria y recitativo para lograr mayor continuidad en el desarrollo de la acción.
• Más énfasis en el recitativo que ahora es acompañado por la orquesta.
• El coro, casi imposible en el género serio tradicional, intervendría cuando fuese necesario. Las danzas sólo se incluirían si apoyaban la acción.
• En resumen: realizar la perfecta fusión de palabra y música, la síntesis de las artes, ideal que no pudo llegarse a materializar plenamente hasta Wagner, al que en parte Gluck se adelanta.

4Obras maestras en el nuevo estilo recibidas, no obstante, con notable revuelo son: Orfeo y Euridice (1762, primera ópera reformada) y Alceste (estrenada en 1767). Ifigenia en Aulide es su primera ópera adaptada al gusto francés2 con la que triunfará en 1774. A partir de aquí dominará la escena francesa durante una década. Las querellas ahora se generan entre los partidarios del estilo francés reformado por Gluck y los que defendían el estilo italiano (Guiovanni Pasiello y Domenico Cimarosa, entre otros). W. A. Mozart (1756-1791): las reformas de Gluck dieron sus mejores frutos en uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos. Mozart es la gran figura de la ópera del siglo XVIII: su gran virtud consiste en sintetizar lo mejor de las corrientes operísticas italianas, francesas y alemanas para crear un nuevo estilo. Asimila de Gluck el papel que le corresponde a la orquesta, que no es el de simple sostenedor, tratando de perfilar la silueta de cada personaje, preparando así la ópera romántica. De la misma manera la obertura prepara y ambienta la acción. En cualquier caso siempre resplandece la gracia y la espontaneidad de la melodía vocal. Cultiva diversos tipos de ópera:

• Seria: motivos mitológicos típicos de la ópera seria sólo fueron utilizados en sus primeras óperas. Entre ellas destaca por encima de todas "Idomeneo" como la más importante y perfecta ópera seria del siglo, el canto del cisne de un género que ya declinaba. Con "La clemencia de Tito" volvería al género el mismo año de su muerte sin conseguir el mismo resultado.
• El singspiel. Nada más llegar a Viena compuso una ópera cómica alemana en que la música alternaba con la palabra hablada: el singspiel titulado "El rapto del serrallo", de 1762. Hasta entonces, el singspiel era un género menor, divertido, para públicos poco cultivados. Mozart le dio la solidez y la gracia de las más importantes óperas cómicas italianas y estableció un modelo al que el mismo volvería en el año de su muerte con "la Flauta mágica".
• En medio compuso tres obras maestras en el género cómico italiano: "Las bodas de Fígaro", "D. Giovannni" y "Cosi fan tutte". En ellas Mozart logra la superación de los géneros serio y cómico, resumiendo los dos polos principales del teatro del siglo XVIII.

F. J. Haydn (1732-1809) no ignora la música vocal. Entre las obligaciones de su cargo tanto en Eisenstadt como en Esterhazy figuran las de componer tanto ópera como música religiosa. Compone 24 óperas entre los géneros serio y cómico, siendo excelente la música de todas ellas. Sin embargo, no supusieron avance alguno y además teatralmente no funcionan. Haydn mismo reconoció la superioridad de Mozart en este campo y dejó de componer para el teatro.

LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA EN EL CLASICISMO

En este periodo se da un nuevo tipo de religiosidad acorde con el nuevo racionalismo ilustrado: supone una moralidad natural basada en el trabajo y en el logro de una felicidad conseguida tras en control de las pasiones. En consecuencia las obras religiosas son más aptas para ser oídas en concierto que en el seno de la liturgia. Algunas obras religiosas importantes que podemos citar son:

• F. J. Haydn: sintiéndose conmovido por los de Haendel compone los oratorios de "La creación", estrenado en 1798, dando por vez primera expresión fecunda a la nueva religiosidad en música y "Las estaciones", de 1801.
• W. A. Mozart: podemos citar sus 19 misas y su inacabado "Réquiem".

2 Adaptación a las inflexiones propias de la lengua francesa, preferencia por una orquesta más nutrida y elaborada que la italiana y por las danzas dentro de la estructura de la obra. 5