Historia de la Música 2: Monteverdi, Cavalli y la ópera barroca

Claudio Monteverdi: Un Profesional de la Música

Claudio Monteverdi (1567-1643) es considerado un profesional de la música, ya que logró vivir de su arte, a diferencia de muchos de sus contemporáneos. A diferencia de los representantes de la ópera florentina, su aproximación a la monodia no se produjo a través de la oposición a la polifonía, sino mediante una transformación de esta última, especialmente a través del madrigal.

Monteverdi compuso un total de ocho libros de madrigales, siendo los últimos de ellos de carácter monódico, en los que la melodía se acompaña de una o dos voces, junto a un bajo continuo. Cabe destacar que no fue el único compositor en adoptar esta forma de madrigal.

El último de sus libros de madrigales, titulado Madrigales guerreros y amorosos (1638), introduce un elemento conocido como estilo concitato. Este estilo se caracteriza por un acompañamiento que utiliza un trémolo medido, creando una sensación de agitación a la vez que mantiene un carácter estático. La melodía, a su vez, emplea motivos en estilo fanfarria, que evocan emociones intensas como ira, temor y rabia. El estilo concitato se expandió rápidamente en el ámbito musical gracias a la influencia de Monteverdi.

Óperas de Monteverdi

Su primera ópera, Orfeo (1607), fue compuesta mientras se encontraba al servicio del Conde de Mantua. Aunque Monteverdi aceptó los ideales de la Camerata Florentina, también hizo uso de formas cerradas, como arias estróficas y canciones de danza, en sus composiciones.

Orfeo fue notable por su uso de grandes orquestas, algo que, si bien no era habitual en la época, tenía precedentes en la música renacentista. La orquestación, de carácter masivo, contribuyó a la grandiosidad de la obra. Una de las características más importantes de Monteverdi era su habilidad para expresar los momentos dramáticos más intensos a través de los recitativos, que carecían de reglas estrictas, lo que le permitía explorar nuevas vías de expresión.

Otra de sus óperas, Arianna (1640), se estrenó en el teatro de San Moisés y se considera una obra de carácter comercial. Lamentablemente, solo se ha conservado el famoso "Lamento de Arianna", que, junto al estilo concitato, se convirtió en unelemento popular de la época. Este lamento se caracteriza por un bajo cromático descendente y una estructura multiseccional, con secciones bien definidas y elementos cadenciales.

Monteverdi también compuso El retorno de Ulises a la Patria (1640) y Las bodas de Eneas con Lavinia (1641), aunque de ambas obras apenas se conserva material. Una de sus composiciones más relevantes que ha llegado hasta nuestros días es La coronación de Popea. Esta ópera presenta características similares a Orfeo, pero se observan notables diferencias estilísticas, probablemente derivadas de la evolución del gusto del público a lo largo del tiempo. En la creación de esta obra, Monteverdi recibió el apoyo de Francesco Cavalli, lo que refleja una práctica común de colaboración en la ópera de la época.

La coronación de Pope incluye personajes cómicos y tiende hacia un estilo más hablado en el canto. La obra culmina en dos finales: uno es un final de deus ex machina, en el que Venus interviene para resolver la trama, y el otro es un dúo añadido compuesto por Cavalli, en línea con la costumbre de finalizar las óperas con un dúo amoroso.

El argumento de la obra es controvertido, ya que narra cómo Nerón, emperador de Roma, se casa con Popea, una mujer de origen humilde, a pesar de estar casado con Octavia. Aunque la ópera concluye con un final feliz, en la narrativa se omite el desenlace trágico de la historia real, en la que Nerón mata a Popea y posteriormente se suicida. Además, Monteverdi introduce en todas sus óperas un prólogo cantado que expone la "moraleja" del argumento; en esta obra en particular, se presenta una discusión entre la Fortuna, la Virtud y el Amor.

Francesco Cavalli: Discípulo de Monteverdi

Francesco Cavalli (1602-1676) fue un destacado discípulo de Claudio Monteverdi, y su obra refleja una profunda influencia de su maestro. En la concepción musical de Cavalli, tanto la letra como la música poseen una importancia equiparable.Aunque en los inicios de la ópera la letra predominaba en su relevancia, esta tendencia fue evolucionando a lo largo del tiempo.

Características del Estilo de Cavalli

Entre las principales características del estilo de Cavalli, se encuentran las melodías vivas y variadas, así como una evidente expresión de los afectos. Su música se distingue por un ritmo contrastante, donde predominan los ritmos ternarios, y frecuentemente utiliza patrones de danza para estructurar las formas musicales. Por ejemplo, en su ópera Giasone (1649), se pueden encontrar arias con ritmos ternarios que evocan la alegría y el movimiento, reflejando la influencia de la danza en su composición. Las ideas melódicas suelen ser cortas y bien delimitadas, concluyendo con cadencias que aportan claridad y resolución.

Una particularidad en la obra de Cavalli es la introducción gradual de instrumentos a lo largo del desarrollo de las piezas. En su obra La Calisto (1651), Cavalli muestra cómo los instrumentos se suman a la textura musical de manera progresiva, enriqueciendo la experiencia auditiva. Inicialmente, establece una costumbre de imitación sutil entre el bajo y la melodía, lo que enriquece el tejido sonoro de sus composiciones. A medida que avanza su carrera, la armonía se simplifica, adoptando un enfoque diatónico y tonal, como se puede observar en su ópera Eliogabalo (1667).

No obstante, se observa que el recitativo, que en sus primeras obras era un vehículo de expresión intensa, tiende a perder su expresividad, dando paso a un estilo más monótono y menos imaginativo. Esta evolución puede notarse en su música posterior, donde los recitativos se vuelven más mecánicos en comparación con sus primeros trabajos.

En este contexto, Cavalli fue pionero en el desarrollo del género arioso, que corresponde a una evolución de los recitativos. Este nuevo estilo permite una expresión más marcada de los afectos y ofrece mayores posibilidades para la experimentación musical. Un claro ejemplo de este arioso se encuentra en su ópera La Calisto, donde las secciones ariosas permiten que los personajes expresen sus emociones de forma más directa y emotiva.

Libretistas de Ópera en el Siglo XVII

Giovanni Faustini: Un Libretista Destacado

Uno de los libretistas más destacados de la época fue Giovanni Faustini (1619-1651). A diferencia de la mayoría de los libretistas, quienes generalmente no gozaban de gran reconocimiento, Faustini se enorgullecía de su labor y su trabajo se convirtió en un modelo para el siglo XVII. Sus libretos, que a menudo presentaban argumentos mitológicos o históricos, se caracterizaban por la inclusión de una amplia variedad de personajes provenientes de diferentes clases sociales.

En sus obras, lo habitual era la presencia de dos protagonistas, casi siempre parejas de amantes, que enfrentaban múltiples adversidades a lo largo de la trama. Un ejemplo notable es su colaboración con el compositor Francesco Cavalli en la ópera La Calisto (1651), donde la historia gira en torno al amor no correspondido de la ninfa Calisto por el dios Júpiter, quien se transforma para seducirla. Faustini utiliza escenarios variados y exóticos, así como un elenco diverso, reflejando la complejidad de las relaciones humanas y los conflictos sociales de su tiempo. Sus libretos solían estructurarse en cinco actos, donde los fragmentos en prosa se trasladaban a los recitativos, mientras que la poesía se reservaba para las arias.

Otros Libretistas Importantes

Otro libretista importante de esta época fue Nicolo Minato (1627-1698), quien se trasladó a la corte de Viena en 1669. Es conocido por su colaboración con el compositor Antonio Cesti en la ópera Il pomo d'oro (1668), una obra que mezcla elementos de la mitología clásica y la fantasía. La trama se centra en la historia de amor entre Apolo y la ninfa Dafne, mostrando el talento de Minato para combinar romance y conflicto en un entorno mitológico.

Por último, es relevante mencionar a Aurelio Aureli (1652-1708), cuya figura también es notable en el panorama de la librettística. Su obra L'Ercole Amante (1671), compuesta junto a Francesco Cavalli, presenta un enfoque similar al de Faustini, con un relato mitológico que destaca las hazañas del héroe Hércules. La estructura narrativa de Aureli, así como su habilidad para crear personajes complejos y emocionales, contribuyó a la evolución de las narrativas operísticas de la época.

El Aria: Formas y Evolución

Clasificación de Arias Operísticas

1. Arias Estróficas: En este tipo, el bajo permanece constante mientras que la melodía varía en cada estrofa. Un ejemplo notable de aria estrófica se encuentra en Vi ricorda de Claudio Monteverdi, donde la repetición de la estructura melódica permite destacar las emociones del texto.
2. Arias Bipartitas (AB): En este formato, la sección B generalmente consiste en dos versos y es más breve que la A, ya que los poetas solían resumir la idea principal en esta parte. Aunque A y B no son marcadamente contrastantes, la sección B tiende a ser la más significativa. A veces, esta parte se desarrolla en un formato ABB o ABB', donde la primera B puede ser instrumental. Un ejemplo representativo es el aria Lascia ch'io pianga de Haendel, donde se aprecia la estructura bipartita y el uso emotivo del texto.
3. Arias Tripartitas (ABA o ABA'): Este formato presenta una primera parte (A), seguida de una segunda (B), que suele ser contrastante, y finaliza con una repetición de la A. Un ejemplo clásico es el aria Non so più cosa son de Mozart, donde la repetición de la sección A refuerza el estado emocional del personaje.

A lo largo del tiempo, las arias han evolucionado para caracterizar momentos específicos en la trama, siendo cada una asociada a un solo afecto. Con el tiempo, las convenciones se consolidaron, y cualquier desviación por parte del compositor era fácilmente percibida por el público. En la ópera comercial, la mitología se utilizaba como pretexto para abordar temas más humanos, y desde 1640, se comenzó a predominar temas históricos relacionados con guerras.

Los personajes en las óperas típicamente tenían voces específicas: los héroes eran interpretados por castrati, las heroínas por sopranos, los ancianos por bajos y los criados por tenores. Los recitativos se acompañaban con bajo continuo, mientras que los