Historia de la Música 2: Barroco italiano y evolución de la ópera

MÚSICA INSTRUMENTAL

En el Barroco temprano y medio, los géneros musicales más destacados incluyen:

1. Música de danza: Este género era fundamental en la música instrumental, y el violín era el instrumento predominante debido a su sonido penetrante, superior al de las violas. A lo largo del siglo XVI, la guitarra comenzó a reemplazar al laúd en este contexto. Aunque la música de danza estaba prohibida en las iglesias, se permitía en algunas festividades. Dentro de este género, se pueden identificar tres tipos:
   • La Canción: Originalmente una forma sencilla, esta pieza se caracteriza por tener acompañamiento continuo, estructura estrófica con ritornelli y la presencia de hemiolias, aunque carece de un carácter afectivo.
   • Bajos para la improvisación: Los bajos más comunes eran el passamezzo, la romanesca, la folia, el passamezzo moderno y el ruggiero. Estos permitían realizar variaciones estróficas, donde el bajo se mantenía constante mientras la melodía superior cambiaba, o se podían emplear disminuciones tanto en el bajo como en el canto. Las danzas como la pavana, la gallarda y el saltarello fueron perdiendo popularidad, siendo reemplazadas gradualmente por la alemanda y la courant. También se empezó a asociar las danzas en parejas, buscando contrastes en ritmo y tempo.
   • El Ballet: Este tipo de danza estaba destinado a profesionales y se caracterizaba por su complejidad y técnica.
2. Formas rapsódicas: Este término se refiere a un carácter improvisado. Entre estas formas se encuentran los preludios, la intonazione (una pieza que ayuda al cantante a encontrar el tono) y la tocata. La tocata es conocida por sus secciones contrastantes, que incluyen partes fugadas y otras con acordes tenidos, escalas ypedales. Estas piezas podían servir tanto para la música litúrgica como preludios a obras más extensas, así como para afinar las cuerdas de los instrumentos.
3. Formas con cantus firmus: Heredadas del Renacimiento, estas formas presentaban un tratamiento muy libre del cantus firmus, utilizado principalmente en salmos y versos del Magnificat.
4. Formas de origen vocal: Estas fueron las más predominantes en la música instrumental de la época. Dos de las principales son:
   • Ricercare: Similar a una fuga, el ricercare puede ser politemático o monotemático, derivando de los motetes. Este género instrumental eventualmente evolucionaría hacia la fuga cuando adoptara una estructura exclusivamente monotemática.
   • Canzona: Proveniente de la chanson, la canzona es una forma multiseccional que presenta contrastes contrapuntísticos y armónicos. Su máximo esplendor se alcanza en Venecia, especialmente con las composiciones policorales utilizadas en celebraciones estatales. En ocasiones, se empleaban artificios especiales, denominados caprichos, que posteriormente darían lugar a la sonata, combinando varios elementos musicales.

Compositores destacados

1. Giovanni Gabrieli: Sobrino de Andrea Gabrieli, trabajó en la Basílica de San Marcos. Estudió en Múnich bajo la tutela de Orlando di Lasso y se destacó en todas las formas compositivas de la época, representando una transición entre el Renacimiento y el Barroco.
2. Girolamo Frescobaldi: Organista en la iglesia de San Pedro en Roma, también estudió en Flandes. Su música, rica en disonancias, refleja su experiencia como organista, ya que le resultaba más sencillo afinarlas que a un coro. Entre sus obras más importantes se encuentran Las flores musicales, que utiliza un cantus firmus, y que se caracteriza por su cromatismo y complejidad. Frescobaldiconvirtió la tocata en un género afectivo y destacó en sus ricercares, tanto monotemáticos como politemáticos.

Ambos compositores eran organistas y compositores que concebían la música principalmente de manera horizontal, aunque también la abordaban en un sentido vertical.

Adicionalmente, es relevante mencionar la colección Intermedios y conciertos de 1591, que contiene música para la boda de Fernando de Medici, especificando los instrumentos utilizados y las ornamentaciones.

Finalmente, la escuela de Bolonia, con la Iglesia de San Petronio como su principal centro, tuvo a Giovanni Battista como su compositor más destacado. Su obra Artificios musicales (1689) tiene un carácter pedagógico. Otros compositores vinculados a esta escuela, aunque no trabajando directamente en ella, son Stradella y Bononcini, quienes colaboraron en Módena, otro importante centro musical de la época.

BARROCO TARDÍO EN ITALIA

VISIÓN GENERAL

Durante el Barroco tardío, la música instrumental alcanzó un notable desarrollo, consolidando a Bolonia como uno de los centros más importantes de esta época. La música comenzó a adoptar un enfoque tonal, lo que generó un renovado interés por el contrapunto. Las formas más características de este período son:

• Concerto a solo
• Concerto grosso
• Sonata

A pesar de que estas obras se denominaban "concerto", eran interpretadas en cortes y en iglesias, reflejando la interacción entre la música sacra y la música de entretenimiento.

Principales compositores

• Arcangelo Corelli: Estudio en Bolonia, aunque desarrolló su carrera principalmente en Roma. Corelli fue fundamental en la popularización de dos formas de concerto: el concerto da chiesa (para la iglesia) y el concerto da camera (para la cámara). Su influencia se extendió a lo largo de su vida y sentó las bases para el desarrollo posterior del concerto.
• Giuseppe Torelli: Activo hasta 1708, fue un destacado compositor de esta época. Trabajó en la Iglesia de San Petronio y posteriormente en Roma, así como en Alemania y Austria. Torelli estableció una estructura formal para el concerto, generalmente en la secuencia Allegro - Adagio - Allegro. Tras su contribución, la importancia de Bolonia comenzó a disminuir, mientras que Florencia emergió como un nuevo centro musical de vanguardia.
• Antonio Vivaldi: Alumno de Giovanni Legrenzi, Vivaldi tuvo un impacto significativo en la música del Barroco tardío, con la mayoría de sus obras consistiendo en conciertos que a menudo presentaban títulos programáticos. Su estilo distintivo y su enfoque en la forma y la expresión emocional lo convirtieron en uno de los compositores más influyentes de su tiempo.

LA SONATA

Principales características

• Originalmente, la sonata se compuso para instrumentos de cuerda y no tenía una implicación formal estricta.
• Con el tiempo, esta forma se reconoció como música pura, es decir, música que se apreciaba por su propia esencia, sin narrar una historia o seguir una trama, a diferencia de la ópera.
• A menudo, las sonatas no presentaban las audacias típicas de la ópera, centrándose más en la exploración musical.
• Inicialmente, se distinguía entre la sonata da camera (para la cámara) y la sonata da chiesa (para la iglesia), cada una con su propio estilo y propósito.
• La estructura de las sonatas solía estar influenciada por las danzas y, al igual que ellas, eran en su mayoría bipartitas.

Centro de difusión y compositores destacados

El principal centro de difusión de la sonata fue Bolonia. Los compositores más destacados que contribuyeron a esta forma fueron:

• Arcangelo Corelli
• Vitali
• Albinoni
• Bonporti
• Veracini

Estos músicos desempeñaron un papel crucial en el desarrollo y la popularización de la sonata en este período.

Sonatas para teclado

Entre los compositores de sonatas para teclado, sobresale Alessandro Scarlatti (1625), quien fue discípulo de Francesco Provenzale. A principios de 1650, la sonata más prominente era la sonata a trío, que se mantuvo en uso hasta casi 1800, debido a su utilidad para músicos aficionados. No obstante, la sonata a solo comenzó a ganar importancia progresivamente.

Es relevante mencionar que las primeras sonatas de Domenico Scarlatti se enmarcan dentro del estilo barroco, contribuyendo así al enriquecimiento de esta forma musical.

LA MÚSICA LITÚRGICA

Durante el período barroco, la música litúrgica adoptó un estilo conocido como estilo antico, que buscaba imitar las composiciones de Palestrina. A medida que avanzaba el tiempo, comenzaron a surgir obras en un estilo más moderno, caracterizado por la melodía acompañada.

Además, en etapas posteriores, se desarrolló un mayor uso de la música instrumental, incluyendo formas como los ricercares y las sonatas da chiesa. En general, se daba preferencia a los instrumentos de viento en la interpretación de estas obras, lo que enriquecía el paisaje sonoro de la música litúrgica.

LA ÓPERA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVIII

En la primera mitad del siglo XVIII, se produjo una notable separación entre la ópera seria y la ópera bufa. Esta distinción fue impulsada por los libretistas Zenno (1750) y su discípulo Metastasio, quienes trabajaron en la Corte de Viena. Su objetivo era mejorar la coherencia dramática de los libretos, buscando una mayor profundidad y conexión en las narrativas operísticas. Sin embargo, su influencia en la ópera comercial italiana fue bastante limitada.

Durante este período, la ópera comenzó a adquirir un carácter internacional. Una de las características musicales más destacadas de la ópera fue el aria da capo, que se diseñó específicamente para resaltar el virtuosismo de los castrati, quienes se convirtieron en los intérpretes principales de estas obras.

LA ESCUELA NAPOLITANA

Uno de los compositores más destacados de la Escuela Napolitana fue Francesco Provenzale (1704), conocido por su estilo dramático y por utilizar armonías ricas y disonantes. Sin embargo, el representante más emblemático de esta escuela fue su alumno Alessandro Scarlatti.

Los principales rasgos de esta escuela en el ámbito de la ópera son:

• Diferenciación clara entre aria y recitativo: Esta distinción se realiza de manera radical, con un enfoque específico en las funciones de cada uno.
• Recitativo secco: Este estilo de recitado, caracterizado por su acompañamiento minimalista, se convierte en la norma.
• Armonía tonal: Aunque es tonal, la armonía presenta variaciones que enriquecen la textura musical.
• Prevalencia de arias: Se observan una gran cantidad de arias, que son el centro de atención en las obras.
• Influencia de la sonata da chiesa: Esta forma musical comienza a dejar su huella en la estructura de las arias.
• Transferencia de elementos del concierto al aria: Los compositores integran características del concierto en las arias, creando una fusión estilística.

Los argumentos utilizados en las obras de esta escuela suelen ser mitológicos o históricos. Por otro lado, la ópera buffa, que tenía un enfoque más popular, se representaba en dialecto napolitano y contenía un componente de sátira social, lo que la hacía inadecuada para el contexto de la ópera seria. Estas obras se destinaban a teatros más económicos, buscando conectar con un público más amplio.

LA CANTATA

La cantata se mantuvo como el género donde los compositores podían experimentar con mayor libertad. Entre ellos, destacó Alessandro Scarlatti, quien compuso más de 600 cantatas. Estas obras se clasifican en humanas e inhumanas, pero todas presentan un carácter experimental que refleja la innovación del período.